PINTURA ESPAÑOLA

La pintura española

El S. XVII fue el Siglo de Oro de la pintura española. La española fue una de las grandes escuelas nacionales de pintura del continente.
La Iglesia fue la que encargó la mayoría de las obras junto con la corte y la nobleza, por lo que la temática religiosa fue la predominante.
El S. XVII es el siglo de las guerras religiosas en Europa (guerra de los 30 años), el siglo de la contrarreforma. Roma caput mundi ha de reforzar su universalidad puesta en cuestión por los protestantes.
La selección de los temas tiene un claro carácter propagandístico: Ser católico supone enfrentarse a los enemigos, hay que recuperar el espíritu de los mártires. Las iglesias se llenan de mártires, ermitaños, de pecadores arrepentidos (María Magdalena) y, además, hay que reforzar un dogma: la virginidad de María, por lo que aparece el tema de la Inmaculada Concepción.
Otros temas habituales fueron retratos. Frente al retrato burgués del norte, en el sur el retrato está ligado a la corte y a la nobleza. Son retratos muy diferentes, marcados por el protocolo, la ceremonia, donde el retratado posa y los pintores cortesanos reproducen un modelo protocolizado que iniciaron pintores como Tiziano o Moro y que luego seguirán todos los demás artistas y que algunos como Velázquez aportarán originalidad.
También fueron habituales los temas mitológicos, temática muy al gusto de la nobleza por su carácter decorativo y moralizante. En el barroco la mitología, en manos de artistas como Rubens, toma otra dimensión. Los dioses bajan del Olimpo, son hombres y mujeres (una de las gracias era su esposa), y en otras ocasiones hombres y mujeres se transforman en dioses y diosas. Los temas mitológicos, de difícil interpretación, están sólo al alcance de la nobleza ilustrada.
El estilo del barroco español fue realista, la realidad pura y dura, sin idealizar, lo feo y lo bella, lo joven y lo viejo, con todos sus contrastes.

JOSÉ DE RIBERA
Nació en Xàtiva (Valencia) pero se formo en Nápoles, donde se le conocía como El Spagnoletto. Su estilo está profundamente influido por el naturalismo de Caravaggio.
Martirio de San Felipe.
Durante mucho tiempo se ha considerado que este cuadro representaba el martirio del apóstol san Bartolomé. Hoy en día se considera que el santo es San Felipe.
Análisis formal
1- Construido con líneas diagonales, el cuadro centra su atención en el cuerpo flexionado del apóstol, al que elevan los verdugos.
2- Las sogas contribuyen a crear un espacio triangular, contrapuesto a los propios brazos de San Felipe, que crean otro triángulo invertido.
3- La escena en un exterior permite al pintor bañar todo el ámbito con una luz uniforme, sin renunciar a las sombras.
4- Este cuadro representa con gran realismo una escena emotiva, es una exaltación del sufrimiento del mártir y muestra con claridad el esfuerzo de los verdugos al subir el cuerpo, en unas posturas ladeadas de forma que dan la espalda al espectador.
Significado
Aunque el cuadro pertenece a un periodo avanzado del artista, en el que su estilo se ha suavizado, existe en él preocupación por los fuertes contrastes de luz para la diferenciación de los volúmenes. La sencillez de los modelos, la naturalidad, el realismo cruel del martirio, la actitud resignada del apóstol y el dolor de su rostro acercan al espectador el testimonio del mártir.

FRANCISCO DE ZURBARÁN
Pintor de santos y monjes. Representa el misticismo. Sus clientes son la Iglesia española y americana, por lo que su tema predominante es el religioso. La novedad es que Zurbarán se atreve a convertir en género mayor lo despreciado por otros pintores como menor. Son sus naturalezas muertas. En este sentido Zurbarán se adelanta a movimientos de vanguardia como el cubismo y a Cezanne.
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco.
La obra
San Pedro Nolasco acababa de ser canonizado. Para conmemorar este acontecimiento, Zurbarán recibe el encargo de pintar este cuadro, que, junto a otros veintiún lienzos, decorarían un claustro del convento.
Análisis formal
1-Zurbarán renuncia a la composición tradicional, que separaba claramente el mundo celestial y el mundo terrenal. Los dos santos se hallan en el mismo plano.
2- La ausencia de fondo hace más uniforme el ambiente. El cuadro se construye a través de la luz rojiza que parte de la figura de San Pedro crucificado, de modo que el manto blanco de San Pedro Nolasco actúa de pantalla.
3- El artista busca el juego de efectos contrarios, no sólo en la postura de los dos personajes, sino en la desnudez de San Pedro y en las pesadas ropas del mercedario.
Significado
San Pedro Nolasco deseaba ir en peregrinación a Roma para visitar la tumba del apóstol Pedro. Antes de partir se le aparece el propio apóstol y le disuade de su viaje a Roma. La orden de los mercedarios recogía limosnas para liberar a los cristianos que estaban cautivos en poder de los musulmanes.

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
Al comienzo de su carrera siguió la línea del tenebrismo pero luego se decantó por un estilo más luminoso y colorista, con personajes y composiciones más serenas e intimistas. La mayoría de sus obras son de temática religiosa para la Iglesia española y americana, aunque también retrató personajes populares como golfillos.
La Sagrada Familia del Pajarito.
El artista
La popularidad de este lienzo sirvió al artista para asentar su fama y su clientela en Sevilla. Murillo es uno de los pintores más populares del panorama artístico español. Siempre residió en Sevilla donde su taller tenía una considerable actividad. La tradición de la escuela sevillana y la accesibilidad de sus cuadros contribuyeron a su popularidad.

Análisis formal
1-La escena transcurre en un interior con el realismo de un entorno humilde.
2- La composición deja en el centro de la escena al Niño.
3- El ambiente se encuentra en penumbra y se acentúan los efectos de la luz en la figura central, para conseguir contrastes que permitan modelar los volúmenes.
4- El episodio sucede sin tener en cuenta al espectador, que se asoma al interior de una vivienda, donde tiene lugar una escena cotidiana. Los personajes adquieren un carácter plenamente humano.
5-San José tiene a su lado el banco de carpintero, la Virgen está ocupada con sus ovillos de lana, y Jesús se entretiene divertido con un pajarito y un perro. Está alejado de la pasión.
Significado
La cotidianidad, la anécdota y la sensibilidad son usadas por Murillo para acercar la escena a los fieles así como la belleza del niño y su alegría. El papel de San José adquiere una importancia notable a partir de la contrarreforma para resaltar la agrupación de la Sagrada Familia.
La ternura de las composiciones de Murillo ha tenido un gran éxito en la piedad popular y muchos de sus modelos se difundieron por todo el mundo.
Otros pintores de la segunda mitad del S. SVII

JUAN DE VALDÉS LEAL
Un pintor tétrico y dramático que destaca por sus “vanitas” con aforismos moralizantes.

DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ
Etapas:
1- Etapa sevillana: de juventud con su maestro Pacheco.
2- Etapa madrileña:
a. Pintor de la Corte.
b. Pintor del Rey.
1ª ETAPA
Etapa de formación, de adolescencia y juventud en el taller de Pacheco, pintor de segunda pero con influencias entre la clase alta sevillana y los círculos artísticos. En el taller de Pacheco tiene noticias de lo que están haciendo en Europa otros pintores, especialmente Caravaggio.
Principales obras:
- El aguador (examen de maestría).
- Jesús en casa de Marta y María.
- La vieja friendo huevos.
- La adoración de los Magos.
CARACTERÍSTICAS:
1- La más caravaggiana.

2- Temática que pintores como Carducho despreciaban calificándola de “Bodegones y cocinas”.

3- La etapa más barroca en el tratamiento de la luz (claroscuros), color (paleta de marrones, ocres y rojizos), personajes (anónimos, de la calle), temas cotidianos, domésticos. Incluso los religiosos Velázquez los convierte en escenas domésticas.

4- Dibujo con una línea más marcada que en su madurez, donde la pincelada se hace mucho más suelta.
Gran parte de las obras de esta etapa se encuentran fuera de España. Muchas de ellas salieron a raíz de la Guerra de la Independencia como parte del botín que José I se llevó, y también fueron adquiridas o donadas a los aliados ingleses por parte del gobierno español. El aguador de Sevilla era llevado a Francia por José I pero el convoy fue interceptado por el duque de Wellington y Fernando VII se lo regaló.

2ª ETAPA
En 1623 estaba en Madrid en compañía de su suegro, Francisco Pacheco, iniciando una carrera que lo llevaría a obtener los grandes honores que buscara con tesón. Consiguió el título de caballero (pequeña nobleza) tras su muerte. En el palacio ocupaba el cargo de aposentador con más prestigio que el de pintor.
Conoció también otra pintura con los grandes italianos Tiziano y Tintoretto, y conoció personalmente a Rubens. La pintura de Velázquez cambió. Los borrachos, de 1628, es el resultado ejemplar de esta mutación. En esta primera etapa, donde es todavía pintor de la corte, realiza obras de carácter mitológico e histórico.

A esta etapa pertenece
El viaje por Italia, en 1629, le dio el impulso definitivo. Al regresar a Madrid, Velázquez ya estaba preparado para su oficio de pintor de un único cliente. Así nacieron los retratos del Rey, los infantes y la sorprendente serie de los enanos.
Su pincel penetró más allá de la apariencia y nos aportó la imagen del Rey con su juventud hasta su madurez. Frente a Goya que enjuicia al retratado, Velázquez nos los presenta tal y como son. En el segundo viaje a Italia ya es un pintor afamado y Papas y nobles quieren posar para el genio. De este segundo viaje es el gran retrato del Papa Inocencio X, la Venus del espejo (única licencia frívola del pintor en su carrera) y dos pequeñas vistas de la villa de los Medici en Roma.
El retrato del Papa fue considerado como “demasiado veraz” por el pontífice. Una veracidad que es obsesión del arte moderno, desde Delacroix hasta Francis Bacon, quien, en la década de los cincuenta, dedico a este retrato una serie de variaciones de extraordinaria intensidad psíquica y visual.
Del regreso del segundo viaje son su últimas obras. Destaca Las Meninas. No es casual que Picasso dedicara a este cuadro estudios, copias y toda la serie de dibujos, cuadros y grabados.
De su última etapa destacar también su última obra, Las Hilanderas, donde se consigue un paso más. Los renacentistas consiguieron las tres dimensiones, los barrocos el instante, el tiempo. Velázquez con Las Hilanderas capta el movimiento, la acción.





CARACTERÍSTICAS:
1- Pintor al margen de escuelas y tendencias, es simplemente Velázquez. Elabora su propio lenguaje.

2- Los temas tradicionales (religiosos o mitológicos) son diferentes.

3- Una personalidad conservadora. Un hombre al servicio del Rey y la monarquía. Sus retratos reales y su temática histórica se cargan de una dignidad y solemnidad en una época de derrotas y de crisis, pero no es un adulador.

4- Técnicamente es un genio, por eso consigue la máxima perfección, por ejemplo, en captar las tres dimensiones. La perspectiva aérea de Leonardo se completa y además se le añade una cuarta dimensión, el tiempo.

5- Sus pinceladas se van haciendo cada vez más rápidas y pastosas, anticipándose a la técnica impresionista. Pinta sobre lienzo e incluso rectifica. Son los “arrepentimientos” de Velázquez, pero esto no significa que fuera un pintor rápido, al contrario, su lentitud en ocasiones exasperaba al Rey.

6- Sus paisajes de fondo de la sierra madrileña y el cielo de Madrid se convierten en adjetivo para calificar al propio cielo. (Cielo velazqueño).

7- La luz: desde la luz contrastada de la etapa sevillana hasta la luz natural.

La Rendición de Breda
Los dos ejes principales indican la estructura de la composición en el cuadro, la cual concentra en la parte inferior izquierda a los vencidos y, a la derecha, a los vencedores con la pesada masa del caballo visto por detrás. En la parte superior derecha, el ritmo vertical de las lanzas da “peso” a la enseña de los vencedores.

La Fragua de Vulcano

El esquema muestra la estructura vertical de la composición con Apolo, Vulcano y las figuras de los obreros, en perfecta verticalidad.

La Vieja friendo huevos

Se muestra la diagonal sobre la que se basa la composición y las dos partes sobre las que Velázquez a dispuesto las figuras. Destacan la botella y la mano extendida de la vieja, que construyen el punto de enlace entre los dos personajes.

La Venus del Espejo

Se evidencia el espacio reservado para la figura del desnudo, pero, sobre todo, precisa la línea del cuerpo contenida en una amplia curva, que es a la vez una concepto de síntesis y sugerencia de abandono.

Las Meninas.
Es un cuadro de lectura compleja, un cuadro dentro del cuadro, una exaltación simbólica de la familia real, pero también una explicación de la pintura, como instrumento de fascinación y reconstrucción de una realidad más veraz que la verdad.
Velázquez es un ojo que mira y una mano que dibuja. No es casual que Picasso dedicara a Las Meninas estudios, copias y toda una serie de dibujos, cuadros y grabados.

Análisis formal
1- El esquema destaca la posición central de la infanta Margarita, que deja a su derecha a una de las damiselas y a Velázquez, y a los otros personajes, a su izquierda.
2- La mitad superior está destinada a la perspectiva de cielo raso y los grandes cuadros con motivos mitológicos; la mitad inferior, para la composición de los personajes.
3- El dibujo muestra la perspectiva de la habitación que se direcciona hacia la figura del aposentador.
La escena
1- Representa a Velázquez mientras está ejecutando el retrato de la familia real: además del autor, a la izquierda vemos a doña Agustina de Sarmiento, la infanta Margarita, doña Isabel de Velasco, la enana Mari Bárbola y el enano Nicolás Pertusato. En segundo plano, los guardadamas, y al fondo el mayordomo José Nieto Velázquez se asoma a contemplar la escena.

2- En el espejo colocado al lado de la puerta, en la zona central del cuadro, se reflejan los bustos de la reina Mariana de Austria y del rey Felipe IV, evidentemente en pose para ser retratados.

3- El ambiente es un gran salón, muy alto, limitado por el gran cuadro que ejecuta Velázquez. La luz entra por las ventanas de la parte derecha, de las que sólo están abiertas la primera y la última.

La Escuela Flamenca. Rubens.

La escuela flamenca.
La escuela flamenca estuvo muy influenciada por la pintura italiana y por la española. Los pintores flamencos desarrollaron una minuciosa observación de la naturaleza, clara influencia de los primitivos.

RUBENS
Es el principal autor de esta escuela. Sus cuadros se caracterizan por un rico colorido (Venecia) una gran sensación de movimiento, gracias a la utilización de líneas curvas y diagonales en las composiciones y por efectos lumínicos que recuerdan al tenebrismo.
Las Tres Gracias.
La obra
El cuadro es una pintura al óleo que pertenecía a la colección privada del artista. En la venta pública de sus bienes, después de su muerte, el cuadro fue adquirido por el rey Felipe IV de España.
El artista
Cuando Rubens pinta Las Tres Gracias es el pintor más destacado de Europa. Sus labores diplomáticas le han llevado a distintos lugares y su pintura se ha empapado de aportaciones diversas. La fuerza de sus obras reside en el cúmulo de aportaciones a las que se une su capacidad para crear al servicio de la contrarreforma.
Fuentes
El clasicismo, Renacimiento (Miguel Ángel las formas y Rafael el color) y los venecianos (teatralidad).
Análisis formal
1-El grupo muestra armonía con las tres mujeres entrelazadas en círculo.
2-La escena transcurre en un exterior.
3-El tratamiento del desnudo tiene toda la sensualidad que impregna sus cuadros, con cuerpos voluminosos y sonrosados que manifiestan el canon de belleza de su tiempo.
4-Las tres figuras están en el momento de ejecutar una danza. De esta forma todas mueven hacia atrás una pierna, lo que aporta más dinamismo al conjunto.
5-La representación del paisaje es muy delicada, con una pincelada muy libre en la que el color está por encima del dibujo. Lo mismo sucede con la guirnalda de rosas que corona las tres ninfas.
Significado
Rubens interpreta sus fuentes con un lenguaje barroco. Rubens aprovecha un tema mitológico como pretexto para realizar este desnudo. Estos temas adquiría una explicación moralizante para un sector cultivado de la sociedad.

escuela holandesa. barroco

La escuela holandesa
La pintura estaba muy influenciada por los gustos de la burguesía, que compraba los cuadros. Por ello los temas principales fueron paisajes, escenas cotidianas, temas religiosos y bodegones.

REMBRANDT
Fue el pintor más destacado de la escuela holandesa. Utilizó el claroscuro con gran maestría y cultivó el realismo en sus retratos. Destacó en sus composiciones de temas bíblicos y de escenas cotidianas.
La ronda de noche.
La obra.
La pintura es un retrato colectivo encargado a Rembrandt por la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam. Fue recortado en el S. XVIII, lo que modifica su visión original. EL cuadro recoge el momento en que la Guardia se disponía a salir para realizar su ronda habitual.
El artista.
En la cima de su carrera, Rembrandt recibe el encargo cuando ha pintado un extenso número de retratos. Ya no es un artista bajo la protección de un señor, sino un artista con un tallera bajo su mando.

Análisis formal.
Los dos personajes principales son los que se disponen en el centro de la composición, aparentemente desordenada.
La pretensión del artista es registrar el instante concreto de la puesta en marcha, su objetivo es captar ese movimiento previo que nos ofrece detenido, congelado.
1-La luz está en el interior de cada una de las figuras, logrando un ambiente un tanto irreal, inquietante y casi fantasmagórico al no poder contemplar la fuente de luz.
2-El movimiento se consigue a través de la variedad de actitudes que asumen los distintos soldados, del juego de miradas y de los fuertes contraste de luz. La pincelada es suelta y pastosa.
Significado.
1-El modelo de retrato colectivo se interpreta en este caso con una notable originalidad. Los personajes retratados no están posando.
2-Rembrandt busca captar el instante para fijarlo como si se tratara de una fotografía, eso es de gran modernidad.
3-La valoración fue criticada por sus propios clientes, que no se sentían identificados con claridad en el cuadro. El ambiente nocturno, que algunos especialistas ponen en duda, fue el que determinó que conozcamos este cuadro como la ronda de noche.

Barroco, pintura .Caravaggio

4.PINTURA

CARACTERÍSTICAS GENERALES

1- Efectos luminosos mezclando zonas de sombra con otras de intensa luz.
2- Sensación de movilidad con composiciones complejas y movimientos bruscos.
3- Sentimientos muy intensos a través de gestos y movimientos.
4- Gran variedad temática: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cotidianas. Novedad: paisajes y bodegones.
5- Gran diversidad de escuelas con diferentes técnicas y estilos.

La pintura italiana
CARAVAGGIO

El fundador de la corriente naturalista fue Caravaggio. Su pintura se basa en la observación directa de la realidad con toda su crudeza con modelos tomados de la vida cotidiana, a menudo de sectores marginales de la sociedad.
Caravaggio fue un maestro del claroscuro, su técnica del tenebrismo consiste en hacer emerger a las figuras de entre las sombras.

La vocación de San Mateo.
La composición está alterada con respecto a los esquemas tradicionales.
1-Clara división en dos grupos. Por una parte san Mateo y sus compañeros, sentados a una mesa y por otro lado Cristo y san Pedro acceden al recinto.
2- Anacronismo: El grupo de san Mateo va vestido con ropas del momento, dándole actualidad a la escena. Cristo y san Pedro aparecen vestidos al modo bíblico tradicional, con túnica y manto.
3- Los personajes adoptan un repertorio de gestos y posiciones para hacer más comprensible el mensaje.
4- La luz organiza la composición, con fuertes contrastes que iluminan parcialmente las figuras. Aunque al fondo vemos una ventana, el foco lumínico entra de forma lateral hacia el centro de la acción.
5-Composición en diagonal.
6-La intención es mostrar la elección divina de san Mateo para incorporarse al grupo de los discípulos de Jesús. La transmisión de esta idea se hace con el realismo de las representaciones y la sencillez de los modelos. El propio Cristo se halla en un segundo plano alargando el brazo para llamar al apóstol.

La muerte de la Virgen
El dolor y la crudeza de este cuadro supusieron un auténtico escándalo en aquella época. Caravaggio no se plegó a ninguno de los esquemas anteriores e intentó mostrar el lado cruel de la muerte, usando como modelo de la Virgen el cadáver de una mujer ahogada en el río Tíber.
En este cuadro se observa:
1-Composición en diagonal.
2- Tratamiento de la luz que, como un foco, ilumina unas zonas de forma directa y deja otras en la penumbra.
3-Expresión de dolor.
4-Posiciones de los personajes: La virgen está como levitando de forma que parece que sus pies se vayan a salir del plano. Su cuerpo da profundidad a la escena. Los personajes con los rostros ocultos como san Juan o la muchacha que aparece en primer plano con el rostro agachado capaz de expresar el dolor. También resaltan los personajes que asisten a la escena y sus miradas que se cruzan en el fondo del cuadro.
5-Fondo neutro. La escena sólo ocupa la mitad del cuadro, el resto está ocupado por una gran cortina con un trabajo de los pliegues con luces y sombras que le dan dinamismo a la escena.
6-En el suelo aparece un recipiente de metal. Esto hace evidente la preocupación de los artistas por representar objetos en sus obras.

El martirio de San Pedro.
El tema de los martirios se hace más abundante que nunca para mostrar la crudeza de los tormentos que han sufrido los santos al dar testimonio de su fe.
Esta pintura es una ejemplo de cómo ese realismo se funde con lo que reclama el arte de la Contrarreforma. Caravaggio da a la escena un sentido monumental y al mismo tiempo dramático. Los santos tienen una apariencia de realidad que hace de la santidad algo cercano y alcanzable.

ESCULTURA

3.LA ESCULTURA

Éxtasis de Santa Teresa. Bernini

CARACTERÍSTICAS:
1- Gusto por lo teatral: creación de escenografías.
2- Representación del sentimiento y de la psicología.
3- Tendencia al naturalismo detallista.
4- Carácter ornamental y propagandístico. Materiales ricos o que simulan serlo.
5- Temática: religiosa y mitológica; retratos.
BERNINI
Apolo y Dafne
Esta obra es la reinterpretación del Barroco sobre la escultura clásica. La etapa helenística influyó en la obra de Bernini, que se sirve de una fábula clásica en la que plasma el momento en el que la ninfa Dafne se convierte en laurel para proteger su virginidad ante el acoso del dios Apolo.
Análisis formal
-Realizada en mármol que, a pesar de su dureza, no supone un obstáculo para la representación del movimiento y las texturas. Es una obra muy dinámica con el movimiento en espiral de sus figuras.
-La expresividad llega al máximo para captar lo instantáneo, para atrapar el instante mágico de la transformación de Dafne, que ya no es una mujer pero tampoco es aún un laurel.
-Acabado pulidísimo de la piel, en contraste con la rugosidad de la corteza del árbol. Efectos de luz sobre los cuerpos, creando claroscuros a través de paños, cabellos y elementos vegetales.
-Los cuerpos desnudos acentúan la sensualidad de la escena que tiene un gran naturalismo en el modelado de los cuerpos.
-Expresión de los sentimientos con la incredulidad de Apolo y el gesto de horror de Dafne. Las piernas y manos muestran la carrera y al mismo tiempo si repentino final.
-Se trata de una escultura que encierra en sí misma algunas de las ideas clave del Barroco. La fugacidad, el instante, el tempus fugit, y, al mismo tiempo, la grandiosidad.
ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA
La escultura barroca española es, salvo algunas excepciones en bronce y piedra, el arte de la talla en madera, destinada a ser policromada, con objeto de crear imaginería, imágenes religiosas que inciten a la devoción. Estas imágenes están pensadas para el paso procesional y el retablo. El paso está ligado a la simulación de una realidad en la que el espectador participa intensamente. Las esculturas están pensadas para ser vistas por las calles, en el marco del ritual de la Pasión de Cristo, seguidas de los cofrades como una forma de penitencia.
La época barroca es la época de la contrarreforma. Es necesario afirmar y fortalecer una serie de dogmas puestos en cuestión por los protestantes. Es una época de religiosidad exaltada, de manifestaciones populares y de ceremonias colectivas.
En cuanto al retablo es preciso tener en cuenta en su realización el programa iconográfico, que suele ser establecido por los comitentes. Intervienen diversos artífices: el que diseña el espacio con formas arquitectónicas, el tallista que las realiza, el escultor, el ensamblador, el dorador y el pintor.
En los retablos barrocos las escenas son complejas, los rostros expresivos y los gestos intensos y dinámicos. Todo ello es producto de un sentimiento por lo dramático que nace de una búsqueda personal, que se forma en la idea del sufrimiento místico. El ser cristiano supone dolor y sufrimiento.
GREGORIO FERNÁNDEZ: El foco vallisoletano.
Valladolid es un centro importantísimo de producción de esculturas. El escultor más significativo es Gregorio Fernández. De su taller salieron numerosos retablos, imágenes de devoción y pasos. Su estilo es muy realista, según la tradición de la escuela flamenca que tanto había arraigado en Castilla, como se pone de relieve en los pliegues angulosos de sus vestidos, la corporeidad de sus figuras y la hondura expresiva sobriamente contenida.
Fernández configuró tipo iconográficos como el Cristo yaciente, la Piedad, el Cristo de la columna o el Ecce Homo.

MARTÍNEZ MONTAÑÉS: El foco sevillano.
Sevilla es durante el S. XVII una próspera ciudad gracias, en parte, a su relación con el Nuevo Mundo. Destaca Juan Martínez Montañés. Su obra Cristo de la clemencia se basa en una adaptación perfecta del realismo a un modelo clásico, con objeto de generar una relación personal para hacer creer al fiel que se halla ante una realidad viva. También destacan las imágenes femeninas, de una belleza clásica serena que provoca en el espectador una gran devoción.

SALZILLO: Barroco en el S. XVIII
De la misma manera que, en arquitectura, la llegada de los Borbones trae consigo una influencia francesa, también en escultura se produce el mismo fenómeno. Sin embargo, a final de siglo, emerge un escultor singular, heredero de toda la tradición de laimaginería hispana. Se trata de Salzillo, el cual combina la tradición realista y expresiva con una aristocrática elegancia idealizada.

ARQUITECTURA Y URBANISMO

2.ARQUITECTURA Y URBANISMO
La ciudad barroca se urbaniza al servicio del poder político y religioso. En el laberinto urbano se abran plazas y avenidas con un gran sentido escenográfico, donde el pueblo puede palpar la superioridad del Rey y de Dios.
El lenguaje clásico, reinterpretado desde la razón en el Renacimiento, será reinterpretado de nuevo en el barroco desde el sentimiento. Los arquitectos barrocos querían que sus edificios llamasen la atención, conmocionaran al espectador.
CARACTERÍSTICAS:
1- El uso de la línea curva tanto en la estructura como en la decoración. Las fachadas tienen movimiento.
2- La utilización de efectos luminosos por medios de entrantes y salientes que crean zonas de luz y zonas de sombra.
3- La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores. Las esculturas y las pinturas se fusionaron en la arquitectura (arte total).
4- El uso de materiales ricos para producir una sensación de ostentación. (Se utiliza mucho la madera policromada, el mármol veteado y el bronce).
5- En las fachadas los frontones son truncados y decorados profusamente.
ROMA
Roma fue la ciudad donde surgió el Barroco. Los papas reformaron completamente la ciudad para reforzar su papel como capital del catolicismo. La remodelación de la ciudad consistió en la construcción de grandes edificios en el nuevo estilo y de numerosas plazas y avenidas.
Las siete grandes basílicas recorridas por los peregrinos fueron unidas por avenidas, y ante ellas se adecentaron plazas con obeliscos. Las plazas abiertas tienen un papel retórico a modo de gran escenario, con la fachada de la iglesia como telón.
Todas las plazas barrocas siguen el mismo esquema. Destaca la plaza de San Pedro o la plaza Navona donde Bernini desarrolló su originalidad creativa.
BERNINI
San Pedro (Conclusión del conjunto)
Carlo Maderno añadió un enorme cuerpo basilical al proyecto de Miguel Ángel y una fachada que no le hace justicia al conjunto. Parece un cuerpo clasicista adosado a la gran obra diseñada por Miguel Ángel. Una fachada con columnas de orden gigante y un frontón que intenta la simetría con la cúpula pero queda diluido en las dimensiones de la fachada.
El aspecto definitivo lo dará Gian Lorenzo Bernini. Bernini había proyectado una pieza fundamental del interior, el baldaquino con columnas salomónicas situado bajo la gran cúpula.
Pero su contribución fundamental al conjunto vaticano es la columnata de San Pedro.
Una elipse que se forma al extender los dos grandes brazos que acogen a los peregrinos, que contemplan el gran escenario de la fachada.
Bernini devuelve al conjunto de San Pedro la grandiosidad que se había perdido con Maderno.

Otros focos barrocos
La arquitectura barroca se extendió pronto por toda Italia y por toda Europa.
-En Francia el Barroco es el más “clásico” por dar preferencias a las líneas rectas y por una decoración menos abundante. Frente a los exteriores “limpios” destacan los excesos decorativos de los interiores. La aportación francesa es el jardín (Versalles).
-En Inglaterra la arquitectura siguió el estilo del arquitecto renacentista Palladio, por lo que es un Barroco más manierista y que se va a mantener hasta el neoclasicismo. La catedral de San Pablo en Londres representa un Barroco de grandes dimensiones, destacando la cúpula que se divisa desde toda la ciudad.
-En España la arquitectura barroca se caracterizó por la decoración exuberante, tanto en el exterior como en el interior de los edificios, sobre todo a partir de las influencias de José de Churriguera. No obstante la arquitectura barroca en España es básicamente religiosa. Sólo la Iglesia tenía la capacidad económica para financiarla. Serán pintura y escultura los artes más desarrollados. Un aspecto típico fue la construcción de las plazas mayores, como la de Madrid y Salamanca.

EL BARROCO. INTRODUCCIÓN

1.INTRODUCCIÓN
Una sociedad cambiante

A lo largo del S. XVII se produce en el sur de Europa una consolidación de las monarquías absolutas. Este poder creciente de la autoridad monárquica hará que el arte actúe como un sistema eficaz de propaganda al servicio del Estado.
Al mismo tiempo, en el norte, el desarrollo del capitalismo crea unas inquietudes sociales distintas. Es el arte burgués para burgueses. En otro sentido la Reforma protestante y la posterior Contrarreforma católica habían dividido a Europa en dos partes, la Europa protestante del norte rechaza las representaciones religiosas excepto las del Antiguo Testamento por su valor pedagógico y moralizante. La Europa católica del sur potencia las manifestaciones externas de piedad a través del arte religioso. Destacar la imaginería española y la representación iconográfica del dogma de la Inmaculada Concepción puesto en cuestión por los protestantes.
El lenguaje del Barroco

La evolución del Renacimiento hacia el manierismo desembocará, a finales del S. XVI, en un lenguaje artístico que responde a la situación de la sociedad europea del momento. El período barroco se caracteriza por una complejidad en las formas, que se hacen más dinámicas, con juegos teatrales de contrastes y sensaciones que rompen con la búsqueda del equilibrio y la armonía. El término barroco se identifica con las ideas de movimiento, decoración y complicación de las formas.
El lenguaje barroco no supone una innovación creadora porque propone una lectura libre de los elementos anteriores, donde predomine la sensación.
El principal objetivo del arte barroco es lo que podemos llamar el arte total. La arquitectura será la disciplina fundamental al que se condicionan todas las demás (escultura, pintura, jardinería) para conseguir un espacio de síntesis.
El arte al servicio del poder

El arte barroco expresa hacia el exterior la imagen del poder monárquico y eclesiástico. Favorece el concepto de arte como propaganda de la autoridad. Las construcciones de la realeza y los espacios públicos pretenden impresionar a los ciudadanos para que acaten los mandatos de la monarquía. La intención de reafirmar las posiciones de ambos poderes se ve también reflejada en las realizaciones artísticas que se ajustan a los principios que se persiguen defender. Un ejemplo de este arte es la Plaza Mayor.

LA PINTURA FLAMENCA. PRIMITIVOS

LA PINTURA FLAMENCA: PRIMITIVOS Y BARROCOS
1.INTRODUCCIÓN

En el Renacimiento Italia comparte su protagonismo histórico con otro foco europeo: los Países Bajos. Protagonismo que continuará en el Barroco. Sin embargo la sociedad flamenca no tiene nada que ver con la sociedad italiana. Si en Italia eran las grandes familias patricias y los papas los mecenas del arte, en los Países Bajos más que de mecenas hemos de hablar de clientes.
Son los ricos comerciantes dedicados a la importación de la lana y a la exportación de tejidos. Burguesía que encarga a los artistas retratos para adornar sus casa y sus comercios.
Los temas religiosos también se encargan pero con una finalidad moralizante, y, en el caso de los protestantes, el Antiguo Testamento.
El arte es una fuente de prestigio pero sobre todo de negocio. Se pacta con los artistas el tema, el tamaño, los colores etc. Se firma un contrato entre artista y cliente y se trabaja en talleres.
Técnicamente la pintura flamenca se caracteriza por:

1- Novedad técnica: El óleo, primero sobre tabla y después sobre lienzo, lo que facilitó el traslado de las obras.
2- Veladuras, transparencias, texturas.
3- Retratos individuales, matrimoniales y colectivos (retratos gremiales).
4- Interiores que reflejan la vida hogareña (ideal burgués).
5- Encuadres fotográficos (caja oscura).
6- Detallismo: se representan con gran realismo pequeños detalles.
7- Trampojos (ilusiones visuales).
8- Los principales representantes son: Van Eyck, Van der Weyden y El Bosco, con la obra más inquietante.
9- La escuela flamenca del Renacimiento abre el camino a los grandes pintores del Barroco: Rubens, Rembrandt y Veermer.

EL GRECO

Es uno de los pintores más conocidos de la escuela española, aunque era originario de Creta. El Greco tuvo importantes clientes y su taller de Toledo fue uno de los más conocidos. Sus clientes fueron la Iglesia, la monarquía y la nobleza.
Los motivos del éxito de su pintura son varios:
1- Su novedad: El Greco trae a España las novedades manieristas que aprendió durante su estancia en Venecia.
2- Su temática es religiosa, pero con una representación nueva.
3- Su misticismo, tan acorde con la religiosidad española.
4- Un artista prolífico del que todavía es posible encontrar obras en el mercado.
5- Sus temas preferidos: los religiosos, porque la Iglesia es uno de sus principales clientes y la época de El Greco es de gran religiosidad en una Europa enfrentada por motivos religiosos. La pintura de El Greco refuerza el espíritu de la contrarreforma.
6- La mayoría de sus cuadros se pueden dividir en dos espacios, el terrenal y el celestial.
7- Es uno de los grandes referentes para todos los artistas, destacando su influencia sobre Picasso (La época azul).
La Trinidad
La obras tiene claras reminiscencias miguelangelescas, especialmente sus anatomías. La composición general recuerdan la Piedad de Santa María dei Fiore y la Rondanini.
1- Hay elementos manieristas como el manejo del color, la posición forzada y desequilibrada de Cristo, con un agitado dinamismo de toda la composición en la que prevalecen las líneas quebradas y en zig-zag.
2- El tratamiento anatómico musculosos con cánones muy alargados, estilizados y filiformes.
3- Los colores son ácidos, mórbidos, que contribuyen al contexto místico con el que El Greco impregna la atmósfera de sus cuadros.
4- El juego de luces crea un contraste de luz y sombra que configuran un efecto dinámico en toda la composición.
5- Se refuerza el dogma de la Trinidad.
6- Deslizamiento de Cristo que recuerda a la Piedad de Florencia.
7-Novedad: Ángel de espaldas con un trabajo anatómico en piernas y pies.

INTRODUCCIÓN, ARQUITECTURA Y PINTURA (M)

1.INTRODUCCIÓN
1- En el último tercio del S. XVI (cinquecento) se empiezan a observar innovaciones y cambios en el lenguaje artístico. Unos cambios que nos anticipan el lenguaje barroco.
2- La actividad artística se traslada de Roma a Venecia. En arquitectura destaca Palladio y en pintura Tiziano, Tintoretto y El Veronés.

2.ARQUITECTURA

PALLADIO

Andrea Palladio no sólo representa a uno de los arquitectos más importantes del S. XVI, sino también a un teórico, gracias especialmente a sus "Cuatro libros de Arquitectura" donde revisa además teorías postuladas por Alberti y Vitrubio.
Su arquitectura se encuadra ya dentro del lenguaje puramente manierista. Un claro ejemplo son sus famosísimas Villas, ejemplo de arquitectura civil en el S. XVI y cuya influencia iba a llegar hasta la arquitectura inglesa del S. XVII y a la arquitectura tradicional de los Estados Unidos. El neoclásico anglosajón se inspira en el lenguaje arquitectónico de Palladio.
La villa Rotonda
Las villas de Palladio, varias en las inmediaciones de Vicenza, expresan su respuesta a la demanda creciente de una vida campestre, renacida ahora con la economía rural. Las grandes familias, dedicadas al comercio, empiezan a invertir en la compra de fincas. Se recupera el espíritu de la domus campestre.
Las villas resultan de una interpretación nueva de la arquitectura clásica. La Villa Rotonda, la más conocida de todas, presenta en el centro una sala circular cubierta por una cúpula que se inscribe en una planta cuadrada en cada uno de cuyos extremos se disponen cuatro amplios pórticos a modo de templo romano. Las columnas de las fachadas son de orden jónico, con remate en frontón y una amplia escalinata de acceso (villa abierta a los cuatro vientos).
Se observa un juego geométrico entre el eje y la planta, y se hace patente una elegancia formal y una sencillez monumental que causan en el espectador un gran impacto visual.
Palladio utiliza el método romano de construcción, es decir, materiales baratos que se ocultan bajo elementos decorativos (ladrillo recubierto de mármol, los tejados cubiertos de teja roja que dan al conjunto una nota de color).
En resumen, un ejercicio formal más preocupado por lo exterior que por lo interior; por la forma que por el contenido.

3.PINTURA
1- Si en el Renacimiento el objetivo era la perspectiva, en la escuela veneciana el objetivo será la luz y el color.
2- El artista manierista es libre, no se siente condicionado por las normas académicas. Si el artista anterior es un artista intelectual, los venecianos son pintores subjetivos, más emocionales.
3- Composiciones abiertas, con múltiples personajes en grandes escenarios (teatralidad).
4- Técnicamente se empieza a arriesgar, con composiciones movidas en diagonal, con claroscuros.
5- El color es la gran conquista de la escuela veneciana. Dos colores están unidos a dos nombres: El verde Veronés y el azul Tiziano.
6- El primer manierista fue Miguel Ángel, que frente a las normas reivindica la libertad de creación.
7- Tiziano, Tintoretto y El Veronés son los principales manieristas, a los que hay que añadir El Greco.
8- El lavatorio (Tintoretto); Concierto Campestre (Giorgone); Las bodas de Caná (El Veronés).
9- Escenografía, teatralidad, juegos de perspectivas, animales como protagonistas de la obra, sensualidad, manejo de la luz y del color con gran maestría.
10- En el caso de los retratos hay penetración psicológica y detallismo (suelos, cortinas, trajes etc.)

Pintura. Final

Miguel Angel.El Juicio Final

El Juicio Final

El juicio final muestra una explosión de carnalidad, provocación y ruptura, con una nueva imagen de Dios (poderosa anatomía, canon helenístico, rabia, furia, violencia, terribilitá. Un Dios justiciero).
Los numerosos personajes se agrupan a derecha e izquierda, los bienaventurados y los desaventurados. El espectador necesita un tiempo y se fija en la barca que hace referencia a la mitología, en el pellejo que cuelga de las manos de uno de los personajes, y así en innumerables detalles que avanzan el lenguaje barroco.