La ciudad romana. Arquitectura doméstica

La vivienda se convierte en factor de diferenciación social. En Roma existen dos tipos de vivienda doméstica: la Domus y la Ínsula.

El material de construcción: ladrillo base y teja roja, junto con elementos decorativos, según las posibilidades económicas de la familia podemos utilizar el mármol o estuco (un tipo de pintura). Para el suelo, mosaico, con piezas pequeñas. Maderas labradas.

La ciudad romana

La Ciudad Romana: Plano

El objetivo era convertir la ciudad en centro de la vida romana.
El romano es un hombre de ciudad.
El plano de la ciudad se inspira en los campamentos militares.
Planta rectangular, amurallada, con cuatro puertas de acceso. La “prima porta” es la principal, la de la Vía Augusta. En el centro se encuentra el foro romano. La calle de norte a sur se llama el kardo, y la que la divide de oeste a este se llama decucano. El aumento de la población exigió en casos como el de la capital del imperio, ampliar la ciudad con varios foros longitudinales.



El foro romano

Era el lugar público de las ciudades, donde una serie de construcciones reflejan la grandeza de Roma. El romano tiene sentido de la historia y quiere dejar su huella, la arquitectura, se convierten en un instrumento de propaganda al servicio del Estado y del político que ha financiado la obra.
La arquitectura romana exige nuevas técnicas y nuevos materiales, y se elabora a partir de influencias anteriores. El romano tiene la habilidad de elaborar un lenguaje propio a partir de otros lenguajes y añade al arte un nuevo valor: la utilidad.

1. Influencias:

- Griega: órdenes arquitectónicos (Dórico, Jónico, Corintio). El romano añade dos órdenes más: el orden toscano y el compuesto.
El toscano es el dórico con basa. El compuesto es una mezcla del capitel jónico y corintio (volutas de hojas de acanto).
La originalidad romana consiste en la superposición de órdenes.
- Oriental (a través del Helenismo): Incorporar a la arquitectura arquitrabada griega la arquitectura abovedada, que permitía construir espacios más amplios y altos.
- Etrusca (especialmente importante en la llamada arquitectura funeraria).

2. Materiales

Si los griegos utilizaban el mármol pentélico para sus construcciones, el romano, mucho más práctico, introduce nuevos materiales más baratos y fáciles de trabajar. Ejemplo: el ladrillo.
- El ladrillo combinado con piedra.
- El cemento (opus cemencitium)
- El mármol en placas deja de ser un material constructivo para ser un material decorativo u ornamental (se revestían los edificios del ladrillo con placas de mármol). Placas que se ajustaban a las fachadas con clavijas y que, en la Edad Media fueron arrancadas para ser reutilizadas en nuevas construcciones.
El resultado de las influencias y de los nuevos materiales es un lenguaje propio, nuevo, original y práctico.

3. Construcciones

a) Obras de ingeniería
b) Arquitectura doméstica
c) Arquitectura religiosa
d) Arquitectura civil
e) Arquitectura de ocio y espectáculos
f) Arquitectura destinada a actividades económicas
g) Arquitectura conmemorativa


a) Obras de ingeniería
El sentido de utilidad romana se observa claramente en sus obras de ingeniería. Un inmenso imperio que hay que dirigir, controlar, explotar sus riquezas, lo que exige unas vías rápidas, seguras y eficaces de comunicación. Principales obras de ingeniería:

- Red de calzadas, que comunicaban todo el imperio. Entre ellas destacamos la vía Augusta. Son vías adoquinadas de anchura (dos carros, para que cada uno pudiera ir en una dirección) señalizadas con miliarios, vigiladas por legionarios y de circulación restringida (se necesitaba un permiso).
- Red de puentes (cuando la vía cruzaba un río). Construidos en arcadas.
- Acueductos. Utilidad: abastecimiento de agua a las ciudades.
La arquitectura abovedada se aplica a la construcción de arcadas para salvar los desniveles del terreno. El agua de los manantiales extramuros llega hasta las fuentes (la más famosa, la de Castor, Pólux).
Y un acueducto a destacar, el construido en la época del emperador Claudio (las fuentes que se abastecían de Acqua Claudia eran las más populares)

Romanización y urbanización

Un nuevo urbanismo
Sí para los griegos, la acrópolis (ciudad de los dioses) centraba todo su interés constructivo, para los romanos, la ciudad como centro de poder político, militar, económico, fiscal, etc. centra su urbanismo.
Todo el imperio se urbaniza. Antes de Roma, las ciudades eran escasas, más en Occidente que en Oriente. La red urbana se comunica con un entramado de calzadas que recorren todo el imperio de este a oeste y de norte a sur. La más famosa, la Vía Augusta, que comunicaba Roma con todas las capitales provinciales (de ahí la frase "todos los caminos llevan a Roma").
Hispaniae, la antigua Iberia de los griegos, estaba compuesta por un puzzle de pueblos indígenas: los íberos de la costa mediterránea, los antiguos tartesos, en el valle del Guadalquivir, pueblos del interior como los carpetanos, los vetones, pueblos de la costa atlántica (celtas, cántabros, astures, etc.). Pueblos de costumbres, economías y niveles culturales muy diferentes, sobre los que se va a imponer la máquina militar, administrativa y económica de Roma.

Pasos de la romanización en Hispaniae:

1. La conquista
2. Administración del territorio con la división provincial (Bética, Tarraconensis, Lusitania, Gaellecia, etc.)
3. Nombramiento de las nuevas autoridades.
4. Urbanización del territorio. La capital de provincia se convierte en el centro administrativo-político. Entre ellas destacaríamos dos: Tarraco y Emerita Augusta (actuales Tarragona y Mérida.
5. Comunicar todas las capitales con Roma (Vía Augusta). La mayoría de ciudades que surgieron en Hispaniae fueron de nueva planta por la escasa urbanización del territorio. Como ejemplo citaríamos Valentia: ejemplo de ciudad romana fundada para acoger a los licenciados legionarios después de la campaña militar. La antigua ciudad romana se construyó en lo que hoy es el casco histórico más antiguo.
El caso de Saetabis está relacionado con la construcción de la Vía Augusta. Todas las ciudades se diseñaban con el mismo plan urbanizador.

ROMA. CONTEXTO HISTÓRICO

Contexto histórico:
- Tras la muerte de Alejandro Magno, su imperio empezó a desmembrarse en reinos independientes gobernados por sus generales. El ciclo político de la Grecia Clásica ha concluido, pero no su influencia cultural.
- En el espacio mediterráneo surge una nueva potencia: Roma. La capital del Latio, la tierra de los latinos, el centro de Italia.
- Desde Roma, los latinos se extienden hacia el norte, sometiendo a los etruscos, y hacia el sur, ocupando las colonias griegas, (La Magna Grecia) Ocupada la Península, su objetivo es el Mediterráneo, tanto el este como el oeste, tanto el norte como el sur.
- El Mediterráneo se convirtió en el Mare Nostrum, fijándose las fronteras de un nuevo imperio. Por el oeste, Finisterre, por el este, los ríos Tigris y Éufrates. Por el sur, las arenas del Sahara, y por el norte, Germania.
- Solo la frontera norte exigía una vigilancia para evitar la entrada de pueblos bárbaros (extranjeros).
- Una vez ocupado el territorio, va a establecerse en su imperio una economía imperialista, basada en la explotación de las riquezas de los territorios ocupados; y esclavista, basada en la mano de obra esclava.
- Roma se convierte en el centro del mundo conocido y se inicia el proceso de romanización, que se basa en los siguientes factores:

1. La lengua (expansión del latín por todo el imperio) desplazando a las lenguas locales. Solo sobrevivió el griego, que se convirtió en la lengua culta, pero dejó de ser la lengua oficial.
2. La religión. La religión oficial de Roma se impone a todos los habitantes del imperio, pero se admiten los cultos provinciales. La religión oficial romana se abastece de los dioses, mitos y leyendas griegos pero latinizados.
A partir del siglo I d.C., para reforzar su poder, los emperadores también se divinizan con el título de Augusto (el divino).
3. El derecho (Lex), La legislación romana se extiende por todo el imperio. Oriente y Occidente se gobiernan con las mismas leyes. El derecho de ciudadanía se extendió a todos los habitantes del imperio en la época de Caracalla (quinto emperador)
4. La cultura. Los valores culturales romanos son de clara herencia griega. El romano es un soldado, un hombre práctico, pero serán los griegos los que proporcionen a Roma los valores intelectuales, filosóficos, artísticos, etc.

ESCULTURA GRIEGA. ETAPAS IV

Etapa helenística (siglos III-II a.c.)

La última etapa, que coincide con la última etapa de la historia de Grecia, es la época de Alejandro Magno, cuando la cultura griega se fusionó con valores culturales de los pueblos ocupados por el gran Alejandro.
Los Valores de la etapa helenística son:

La explicación de las imágenes en los apuntes de clase

ESCULTURA GRIEGA. ETAPAS III

ETAPA POST CLÁSICA

(siglo. IV a.c.)

- Policleto- Diadumeno
- Praxíteles- Afrodita y Hermes y el niño Dionisios

- Lisipo- Apoxiomeno
- Scopas -Ménade

Características generales del período post-clásico
1. El canon clásico está agotado, incluso Policleto busca nuevos canones, nuevas medidas.
2. Si Policleto significaba el periodo clásico, Praxíteles identifica el período post-clásico.
3. Si en el período clásico la belleza es fruto de elementos racionales, ahora se busca la belleza como resultado de los sentimientos. Los rostros bellos pero fríos del período clásico se transforman en rostros que expresan sentimientos.
4. La belleza idealizada se va humanizando.
5. La anatomía sigue siendo fundamental, pero la musculatura se estiliza, los miembros se alargan y las proporciones pasan del 1/7 al 1/7,5 (se alargan).
6. Los contrapesos necesarios adquieren formas decorativas.
7. Aparecen grupos, por ejemplo 2 o 3 personajes.
8. Aparecen representaciones femeninas. El cuerpo femenino no consigue la proporción pero si la sensualidad.
9. La posición más relajada, con el cuerpo describiendo una "s" al elevarse la cadera de la pierna contraria. Ésa elevación de la cadera se llama la curva praxiteliana.

ESCULTURA GRIEGA. ETAPAS II

ETAPA CLÁSICA Siglo V a.c. (Segunda mitad)

En esta etapa se consigue la perfección (proporción, medida y equilibrio). El resultado es la belleza (una belleza idealizada), Platón.
Se utilizan cuerpos de atletas por tratarse de los que más se aproximan al ideal de perfección. El atleta resume el ideal antropológico de los griegos: un hombre joven, en equilibrio entre vigor, físico e inteligencia, con lo corporal y lo espiritual unidos.
El escultor trabaja a partir de módulos geométricos (1/7. Es el llamado canon de Policleto).
3 escultores destacan en este periodo: Policleto, Mirón y Fidias.
Polícleto trabajaba especialmente el bronce. Su obra más importante es el Doríforo, donde fija el canon.
Escribió un tratado de escultura que tituló "El canon", donde desarrolla su teoría de las proporciones geométricas. Toda la figura se ha de descomponer en módulos geométricos y toda la figura se tiene que reducir a formas geométricas.
El Doríforo original en bronce está perdido pero la obra la conocemos a través de posteriores copias romanas.

1. La cabeza. Las largas melenas de los Kurós se cortan y se pegan al cráneo. Igualmente desaparecen las barbas de la etapa severa. Las facciones del rostro se trabajan con líneas puras. La expresión es serena. La cabeza dibuja un círculo y nos sirve para la proporción 1/7.
2. El Torso. El ombligo se convierte en el centro de una circunferencia; La mitad superior es el arco del diafragma y la mitad inferior los arcos inguinales.
3. El pubis se reduce a un triángulo.
4. El brazo que sujeta la lanza también desarrolla un triángulo cuyo vértice es el brazo.
5. De hombro derecho a muñeca izquierda se traza un arco.
6. La pierna derecha, ligeramente apoyada en dos dedos, también se reduce a un triángulo cuyo vértice sería la rodilla.
La posición
La frontalidad arcaica se ha sustituido por el contraposto girando ligeramente la cabeza y elevando la cadera y consiguiéndose un efecto de luces y sombras.
Técnicamente es necesario introducir contrapesos para equilibrar el conjunto y evitar que la escultura se venza.
Hay 3 contrapesos:
1. Cadera y muñeca.
2. Contrapeso oculto bajo la forma de un tronco.
3. Triángulo que ancla el pie levantado.
Resultado final: una obra que se convierte en el canon de una belleza idealizada, con un profundo estudio anatómico.

Mirón
Como Policleto, Mirón fue un gran broncista. Como el Doríforo, el Discóbolo original está perdido pero se conservan 7 copias de época romana. La del museo Británico ha sido expuesta este año en Alicante.
Mirón, como Policleto, trabajan con módulos geométricos buscando la belleza, resultado de la perfección (que es igual a proporción, medida y equilibrio).

Analizando la imagen destacaríamos:
1. El disco se convierte en un círculo.
2. Esfericidad en la cabeza, con el cabello corto y pegado al Cráneo.
3. Un hombre joven y bello, resultado del trabajo con lineas suaves que obligan al escultor a sacrificar la realidad en favor de la belleza idealizada (el rostro no refleja el esfuerzo del atleta al lanzar el disco).
4. Desde los dedos que sujetan el disco hasta el talón se describe un arco perfecto.
5. La postura está detenida en el instante previo a la descripción al inicio de un movimiento helicoidal (en espiral).
6. Como en el Doríforo hay un estudio anatómico profundo, pero la musculatura del discóbolo parece más aplanada.
7. La geometrización también está presente en la axila, las piernas, etc.
8. Los contrapesos son necesarios para equilibrar la figura (las plaquetas de los dedos y las pantorrillas, etc.).

Fidias
Especialista en relieves, aunque también tiene esculturas exentas (también llamadas bultos redondos). Su gran obra fue la decoración iconográfica del Partenón, cuyas obras también supervisó. La obra iconográfica fue obra de su taller aunque parte del friso fue obra personal del propio Fidias (por ejemplo la Procesión de las Panateneas). Actualmente en el Museo Británico adonde fueron llevadas por el embajador británico en Grecia en el s. XIX.
La obra de Fidias es de temática religiosa porque estaba pensada para decorar el gran templo ateniense. Sus dioses y diosas reflejan el ideal de belleza humana, son dioses y diosas perfectos.
El trabajo de Fidias es de una gran elegancia. Sus túnicas se hacen transparentes ajustándose a los cuerpos y marcando la anatomía.
Su técnica se conoce con el nombre de paños mojados y sus pliegues pierden la verticalidad y consiguen movimiento.
Fideas revoluciona la técnica del relieve, que pierde rigidez, hieratismo, en favor de la naturalidad. Por ejemplo, la procesión de las Panateneas no están desfilando, sino en el momento en que la procesión se ha detenido, y las sacerdotisas están relajadas.
Estatua criso-elefantina de Atenea.

-

LA ESCULTURA GRIEGA. ETAPAS

- Características generales:

1. La escultura se pone al servicio de los dioses y de los humanos que se aproximan a la categoría de dioses.
2. El escultor griego trabaja las formas humanas “el hombre es la medida de todas las cosas” Protágoras.
3. El antropomorfismo: el escultor griego trabaja las formas humanas con preferencia por las formas humanas masculinas.
4. Los dioses se humanizan y adoptan formas humanas.
5. El arte deja de ser anónimo. Cada artista tiene su propio estilo y sus obras le identifican.
6. Etapas:
• Etapa arcaica (antes del siglo V a.c.):
1. En la etapa arcaica se trabajan dos modelos: estereotipados y sin diferenciaciones individuales: el modelo masculino (Kuroi) y el femenino (Koré).
2. En origen se trabajaba en madera, que fue sustituida por piedra arenisca.
3. Esculturas humanas pero divinizadas: el hombre, el Kuros: jóvenes tocados por dioses (muertos por un rayo) y las Korés, damas funerarias para guardar las cenizas de los muertos.
4. El Kurós: el escultor busca la representación del cuerpo humano masculino, que se representa desnudo. Sin embargo, todavía es una representación muy condicionada por modelos anteriores.

5. Análisis de un Kuroi. Figura masculina desnuda. Rostro poco individualizado y muy geométrico (nariz recta, ojos almendrados, pómulos marcados, mandíbula marcada, labios finos y mirada al frente). Cabello largo y rizado que cae pesadamente sobre los hombros. Su cuerpo se caracteriza por un profundo estudio anatómico; destacando el torso (arcus inguinales, diafragma, músculos abdominales). No obstante las piernas son excesivamente robustas. La perfección anatómica no se conseguirá hasta la etapa clásica. Posición de marcha con una pierna adelantada y pies todavía firmemente apoyados en el suelo. Brazos pegados al cuerpo y puños cerrados. El resultado final: verticalismo, frontalidad y simetría. Conclusión: hieratismo.









6. Análisis de la Koré. Figura femenina cubierta por una túnica pesada que se pega al cuerpo de la Koré acentuando su verticalismo. Rostro geometrizado, nariz fina, pómulos pronunciados, labios finos (sonrisa arcaica), un cabello largo y rizado que cae pesadamente sobre sus hombros. Los brazos: uno con el puño cerrado pegado al cuerpo y otro levantado, posiblemente sujetando la ofrenda.





















La Etapa severa

Transición del arcaísmo al clasicismo
En la 1ª mitad del s-Va. c. se empieza a observar un cambio donde el modelo arcaico está evolucionando hacia el clasicismo. Ejemplos: el Auriga de Delfos, los Guerreros de Riace (restos de un naufragio que se descubrieron en 1972). Los Guerreros fueron un hallazgo de gran importancia porque nos proporcionan guerreros originales, muy escasos en la estatuaria griega.
En la Etapa Severa se combinan rasgos todavía de influencia arcaica:
1. Rostros hieráticos
2. Largas barbas
3. Esquematización de los rasgos
Con nuevos rasgos que anuncian el clasicismo:
1. Musculatura más suavizada
2. Pérdida de la frontalidad y la simetría al separarse las piernas y elevar una de las caderas (contraposto)
3. Cabeza ladeada

ARQUITECTURA Y URBANISMO. LA CIUDAD

PLANO DE ATENAS

PLANO DE MILETO. HIPODAMOS

(Ver apuntes de clase)

LA ARQUITECTURA GRIEGA.

- Arquitectura religiosa.
1) Una arquitectura al servicio de los dioses.
2) Acrópolis: recinto amurallado donde se construyen templos a diferentes dioses. Todas las polis tenían su acrópolis, pero la más importante era la acrópolis ateniense, construida con el tesoro de la liga contra los persas. Es la acrópolis de Pericles (s. V a.C.).
1. La Vía Panatenaica: vía de acceso a la acrópolis. Cada 4 años se celebraban con una gran procesión las fiestas panatenaicas.
2. Los propileos es la entrada: columnata de orden dórico que dan acceso al recinto sagrado.
3. Los principales templos:
1. El templo de Atenea: NIKÉ
2. El templo de ERECTEO: ERECTEION
3. El templo de ATENEA PARTERNOS: PARTENÓN
3) Arquitectura arquitrabada: en la arquitectura griega solo se trabajan las líneas rectas.
4) Los templos en origen eran de madera. En el s. V a.C. se empieza a sustituir los viejos templos por templos nuevos, en piedra (mármol pentélico).
5) El templo solo acoge la estatua de dios y las ofrendas recibidas por el dios o la diosa. Los dioses viven en el Olimpo y los fieles los adoran en los templos, pero siempre en el exterior.
6) Los templos se identifican por sus ordenes o estilos:
• Dórico.
• Jónico.
• Corintio.

Dórico: el Partenón (apuntes de clase).
Jónico: Atenea, Nikè. Un templo pequeño, por lo que solo encontramos columnas en la parte delantera y en la parte trasera. Templo de gran elegancia y estilización. Construido posteriormente al Partenón, en el s. IV a.C. En el siglo jónico, procedente de Asia Menor (tras la muerte de Pericles, Atenas sufrió una gran decadencia y la actividad cultural y artística se traslada a Asia Menor).
ERECTEION: también estilo jónico, que presenta dos particularidades:
1. Edificado en terrazas para respetar el solar anterior y rodear al Olivo Sagrado, que crecía en la entrada.
2. En uno de sus vestíbulos, las columnas han sido sustituidas por cariátides. Figuras femeninas que sustituyen a las columnas como elementos de soporte. Las cariátides fueron restauradas siguiendo un criterio mimético (copia exacta al original). Criterio hoy en día rechazado por la legislación de protección al patrimonio. Ambos templos son ejemplos claros del estilo más estético, estilizado y elegante que es el jónico frente al robusto del dórico.
Estilo corintio: como el jónico, es el estilo de Asia Menor y posterior al jónico (s. III a.C.). Este es el estilo cuyos templos más han sufrido la destrucción por encontrarse en zonas de paso entre Oriente y Occidente y, además, zonas de actividad sísmica. El corintio es una derivación del jónico, pero más decorado, con hojas de acanto. De los tres, es el estilo más decorativo.

1. Una arquitectura para los dioses a la medida de los seres humanos “el hombre es la medida de todas las cosas” (protágoras).
2. La razón se impone a la emoción.
Proporción + medida + equilibrio= BELLEZA (IDEAL PLATÓNICO).
3. Correcciones ópticas,
4. Visión angular.
5. Ley del 2+1.

GRECIA. CONTEXTO HISTÓRICO:

CONTEXTO HISTÓRICO:
1) La cultura griega es una de las grandes civilizaciones antiguas, que se desarrolló en el espacio geográfico mediterráneo.
2) Las limitaciones geográficas obligaron a los griegos a emigrar fundando “emporios” (colonia-factoría). Ej. Sur de Italia, Marsella, Ampurias, Denia, Ibiza, Cádiz.
3) Los comerciantes griegos transmiten la cultura griega.
4) Los griegos se organizan en polis (ciudad-estado). Las grandes polis, por ejemplo, Atenas, Esparta, Corintio, etc. Rivalizan por ser la polis más importante. El arte, los juegos, el teatro etc. Se convierten en los instrumentos para controlar al resto de las polis.
5) Los griegos fijan el modelo estético del mundo occidental.

PINTURA ESPAÑOLA

La pintura española

El S. XVII fue el Siglo de Oro de la pintura española. La española fue una de las grandes escuelas nacionales de pintura del continente.
La Iglesia fue la que encargó la mayoría de las obras junto con la corte y la nobleza, por lo que la temática religiosa fue la predominante.
El S. XVII es el siglo de las guerras religiosas en Europa (guerra de los 30 años), el siglo de la contrarreforma. Roma caput mundi ha de reforzar su universalidad puesta en cuestión por los protestantes.
La selección de los temas tiene un claro carácter propagandístico: Ser católico supone enfrentarse a los enemigos, hay que recuperar el espíritu de los mártires. Las iglesias se llenan de mártires, ermitaños, de pecadores arrepentidos (María Magdalena) y, además, hay que reforzar un dogma: la virginidad de María, por lo que aparece el tema de la Inmaculada Concepción.
Otros temas habituales fueron retratos. Frente al retrato burgués del norte, en el sur el retrato está ligado a la corte y a la nobleza. Son retratos muy diferentes, marcados por el protocolo, la ceremonia, donde el retratado posa y los pintores cortesanos reproducen un modelo protocolizado que iniciaron pintores como Tiziano o Moro y que luego seguirán todos los demás artistas y que algunos como Velázquez aportarán originalidad.
También fueron habituales los temas mitológicos, temática muy al gusto de la nobleza por su carácter decorativo y moralizante. En el barroco la mitología, en manos de artistas como Rubens, toma otra dimensión. Los dioses bajan del Olimpo, son hombres y mujeres (una de las gracias era su esposa), y en otras ocasiones hombres y mujeres se transforman en dioses y diosas. Los temas mitológicos, de difícil interpretación, están sólo al alcance de la nobleza ilustrada.
El estilo del barroco español fue realista, la realidad pura y dura, sin idealizar, lo feo y lo bella, lo joven y lo viejo, con todos sus contrastes.

JOSÉ DE RIBERA
Nació en Xàtiva (Valencia) pero se formo en Nápoles, donde se le conocía como El Spagnoletto. Su estilo está profundamente influido por el naturalismo de Caravaggio.
Martirio de San Felipe.
Durante mucho tiempo se ha considerado que este cuadro representaba el martirio del apóstol san Bartolomé. Hoy en día se considera que el santo es San Felipe.
Análisis formal
1- Construido con líneas diagonales, el cuadro centra su atención en el cuerpo flexionado del apóstol, al que elevan los verdugos.
2- Las sogas contribuyen a crear un espacio triangular, contrapuesto a los propios brazos de San Felipe, que crean otro triángulo invertido.
3- La escena en un exterior permite al pintor bañar todo el ámbito con una luz uniforme, sin renunciar a las sombras.
4- Este cuadro representa con gran realismo una escena emotiva, es una exaltación del sufrimiento del mártir y muestra con claridad el esfuerzo de los verdugos al subir el cuerpo, en unas posturas ladeadas de forma que dan la espalda al espectador.
Significado
Aunque el cuadro pertenece a un periodo avanzado del artista, en el que su estilo se ha suavizado, existe en él preocupación por los fuertes contrastes de luz para la diferenciación de los volúmenes. La sencillez de los modelos, la naturalidad, el realismo cruel del martirio, la actitud resignada del apóstol y el dolor de su rostro acercan al espectador el testimonio del mártir.

FRANCISCO DE ZURBARÁN
Pintor de santos y monjes. Representa el misticismo. Sus clientes son la Iglesia española y americana, por lo que su tema predominante es el religioso. La novedad es que Zurbarán se atreve a convertir en género mayor lo despreciado por otros pintores como menor. Son sus naturalezas muertas. En este sentido Zurbarán se adelanta a movimientos de vanguardia como el cubismo y a Cezanne.
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco.
La obra
San Pedro Nolasco acababa de ser canonizado. Para conmemorar este acontecimiento, Zurbarán recibe el encargo de pintar este cuadro, que, junto a otros veintiún lienzos, decorarían un claustro del convento.
Análisis formal
1-Zurbarán renuncia a la composición tradicional, que separaba claramente el mundo celestial y el mundo terrenal. Los dos santos se hallan en el mismo plano.
2- La ausencia de fondo hace más uniforme el ambiente. El cuadro se construye a través de la luz rojiza que parte de la figura de San Pedro crucificado, de modo que el manto blanco de San Pedro Nolasco actúa de pantalla.
3- El artista busca el juego de efectos contrarios, no sólo en la postura de los dos personajes, sino en la desnudez de San Pedro y en las pesadas ropas del mercedario.
Significado
San Pedro Nolasco deseaba ir en peregrinación a Roma para visitar la tumba del apóstol Pedro. Antes de partir se le aparece el propio apóstol y le disuade de su viaje a Roma. La orden de los mercedarios recogía limosnas para liberar a los cristianos que estaban cautivos en poder de los musulmanes.

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
Al comienzo de su carrera siguió la línea del tenebrismo pero luego se decantó por un estilo más luminoso y colorista, con personajes y composiciones más serenas e intimistas. La mayoría de sus obras son de temática religiosa para la Iglesia española y americana, aunque también retrató personajes populares como golfillos.
La Sagrada Familia del Pajarito.
El artista
La popularidad de este lienzo sirvió al artista para asentar su fama y su clientela en Sevilla. Murillo es uno de los pintores más populares del panorama artístico español. Siempre residió en Sevilla donde su taller tenía una considerable actividad. La tradición de la escuela sevillana y la accesibilidad de sus cuadros contribuyeron a su popularidad.

Análisis formal
1-La escena transcurre en un interior con el realismo de un entorno humilde.
2- La composición deja en el centro de la escena al Niño.
3- El ambiente se encuentra en penumbra y se acentúan los efectos de la luz en la figura central, para conseguir contrastes que permitan modelar los volúmenes.
4- El episodio sucede sin tener en cuenta al espectador, que se asoma al interior de una vivienda, donde tiene lugar una escena cotidiana. Los personajes adquieren un carácter plenamente humano.
5-San José tiene a su lado el banco de carpintero, la Virgen está ocupada con sus ovillos de lana, y Jesús se entretiene divertido con un pajarito y un perro. Está alejado de la pasión.
Significado
La cotidianidad, la anécdota y la sensibilidad son usadas por Murillo para acercar la escena a los fieles así como la belleza del niño y su alegría. El papel de San José adquiere una importancia notable a partir de la contrarreforma para resaltar la agrupación de la Sagrada Familia.
La ternura de las composiciones de Murillo ha tenido un gran éxito en la piedad popular y muchos de sus modelos se difundieron por todo el mundo.
Otros pintores de la segunda mitad del S. SVII

JUAN DE VALDÉS LEAL
Un pintor tétrico y dramático que destaca por sus “vanitas” con aforismos moralizantes.

DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ
Etapas:
1- Etapa sevillana: de juventud con su maestro Pacheco.
2- Etapa madrileña:
a. Pintor de la Corte.
b. Pintor del Rey.
1ª ETAPA
Etapa de formación, de adolescencia y juventud en el taller de Pacheco, pintor de segunda pero con influencias entre la clase alta sevillana y los círculos artísticos. En el taller de Pacheco tiene noticias de lo que están haciendo en Europa otros pintores, especialmente Caravaggio.
Principales obras:
- El aguador (examen de maestría).
- Jesús en casa de Marta y María.
- La vieja friendo huevos.
- La adoración de los Magos.
CARACTERÍSTICAS:
1- La más caravaggiana.

2- Temática que pintores como Carducho despreciaban calificándola de “Bodegones y cocinas”.

3- La etapa más barroca en el tratamiento de la luz (claroscuros), color (paleta de marrones, ocres y rojizos), personajes (anónimos, de la calle), temas cotidianos, domésticos. Incluso los religiosos Velázquez los convierte en escenas domésticas.

4- Dibujo con una línea más marcada que en su madurez, donde la pincelada se hace mucho más suelta.
Gran parte de las obras de esta etapa se encuentran fuera de España. Muchas de ellas salieron a raíz de la Guerra de la Independencia como parte del botín que José I se llevó, y también fueron adquiridas o donadas a los aliados ingleses por parte del gobierno español. El aguador de Sevilla era llevado a Francia por José I pero el convoy fue interceptado por el duque de Wellington y Fernando VII se lo regaló.

2ª ETAPA
En 1623 estaba en Madrid en compañía de su suegro, Francisco Pacheco, iniciando una carrera que lo llevaría a obtener los grandes honores que buscara con tesón. Consiguió el título de caballero (pequeña nobleza) tras su muerte. En el palacio ocupaba el cargo de aposentador con más prestigio que el de pintor.
Conoció también otra pintura con los grandes italianos Tiziano y Tintoretto, y conoció personalmente a Rubens. La pintura de Velázquez cambió. Los borrachos, de 1628, es el resultado ejemplar de esta mutación. En esta primera etapa, donde es todavía pintor de la corte, realiza obras de carácter mitológico e histórico.

A esta etapa pertenece
El viaje por Italia, en 1629, le dio el impulso definitivo. Al regresar a Madrid, Velázquez ya estaba preparado para su oficio de pintor de un único cliente. Así nacieron los retratos del Rey, los infantes y la sorprendente serie de los enanos.
Su pincel penetró más allá de la apariencia y nos aportó la imagen del Rey con su juventud hasta su madurez. Frente a Goya que enjuicia al retratado, Velázquez nos los presenta tal y como son. En el segundo viaje a Italia ya es un pintor afamado y Papas y nobles quieren posar para el genio. De este segundo viaje es el gran retrato del Papa Inocencio X, la Venus del espejo (única licencia frívola del pintor en su carrera) y dos pequeñas vistas de la villa de los Medici en Roma.
El retrato del Papa fue considerado como “demasiado veraz” por el pontífice. Una veracidad que es obsesión del arte moderno, desde Delacroix hasta Francis Bacon, quien, en la década de los cincuenta, dedico a este retrato una serie de variaciones de extraordinaria intensidad psíquica y visual.
Del regreso del segundo viaje son su últimas obras. Destaca Las Meninas. No es casual que Picasso dedicara a este cuadro estudios, copias y toda la serie de dibujos, cuadros y grabados.
De su última etapa destacar también su última obra, Las Hilanderas, donde se consigue un paso más. Los renacentistas consiguieron las tres dimensiones, los barrocos el instante, el tiempo. Velázquez con Las Hilanderas capta el movimiento, la acción.





CARACTERÍSTICAS:
1- Pintor al margen de escuelas y tendencias, es simplemente Velázquez. Elabora su propio lenguaje.

2- Los temas tradicionales (religiosos o mitológicos) son diferentes.

3- Una personalidad conservadora. Un hombre al servicio del Rey y la monarquía. Sus retratos reales y su temática histórica se cargan de una dignidad y solemnidad en una época de derrotas y de crisis, pero no es un adulador.

4- Técnicamente es un genio, por eso consigue la máxima perfección, por ejemplo, en captar las tres dimensiones. La perspectiva aérea de Leonardo se completa y además se le añade una cuarta dimensión, el tiempo.

5- Sus pinceladas se van haciendo cada vez más rápidas y pastosas, anticipándose a la técnica impresionista. Pinta sobre lienzo e incluso rectifica. Son los “arrepentimientos” de Velázquez, pero esto no significa que fuera un pintor rápido, al contrario, su lentitud en ocasiones exasperaba al Rey.

6- Sus paisajes de fondo de la sierra madrileña y el cielo de Madrid se convierten en adjetivo para calificar al propio cielo. (Cielo velazqueño).

7- La luz: desde la luz contrastada de la etapa sevillana hasta la luz natural.

La Rendición de Breda
Los dos ejes principales indican la estructura de la composición en el cuadro, la cual concentra en la parte inferior izquierda a los vencidos y, a la derecha, a los vencedores con la pesada masa del caballo visto por detrás. En la parte superior derecha, el ritmo vertical de las lanzas da “peso” a la enseña de los vencedores.

La Fragua de Vulcano

El esquema muestra la estructura vertical de la composición con Apolo, Vulcano y las figuras de los obreros, en perfecta verticalidad.

La Vieja friendo huevos

Se muestra la diagonal sobre la que se basa la composición y las dos partes sobre las que Velázquez a dispuesto las figuras. Destacan la botella y la mano extendida de la vieja, que construyen el punto de enlace entre los dos personajes.

La Venus del Espejo

Se evidencia el espacio reservado para la figura del desnudo, pero, sobre todo, precisa la línea del cuerpo contenida en una amplia curva, que es a la vez una concepto de síntesis y sugerencia de abandono.

Las Meninas.
Es un cuadro de lectura compleja, un cuadro dentro del cuadro, una exaltación simbólica de la familia real, pero también una explicación de la pintura, como instrumento de fascinación y reconstrucción de una realidad más veraz que la verdad.
Velázquez es un ojo que mira y una mano que dibuja. No es casual que Picasso dedicara a Las Meninas estudios, copias y toda una serie de dibujos, cuadros y grabados.

Análisis formal
1- El esquema destaca la posición central de la infanta Margarita, que deja a su derecha a una de las damiselas y a Velázquez, y a los otros personajes, a su izquierda.
2- La mitad superior está destinada a la perspectiva de cielo raso y los grandes cuadros con motivos mitológicos; la mitad inferior, para la composición de los personajes.
3- El dibujo muestra la perspectiva de la habitación que se direcciona hacia la figura del aposentador.
La escena
1- Representa a Velázquez mientras está ejecutando el retrato de la familia real: además del autor, a la izquierda vemos a doña Agustina de Sarmiento, la infanta Margarita, doña Isabel de Velasco, la enana Mari Bárbola y el enano Nicolás Pertusato. En segundo plano, los guardadamas, y al fondo el mayordomo José Nieto Velázquez se asoma a contemplar la escena.

2- En el espejo colocado al lado de la puerta, en la zona central del cuadro, se reflejan los bustos de la reina Mariana de Austria y del rey Felipe IV, evidentemente en pose para ser retratados.

3- El ambiente es un gran salón, muy alto, limitado por el gran cuadro que ejecuta Velázquez. La luz entra por las ventanas de la parte derecha, de las que sólo están abiertas la primera y la última.