ESCULTURA

3.LA ESCULTURA

Éxtasis de Santa Teresa. Bernini

CARACTERÍSTICAS:
1- Gusto por lo teatral: creación de escenografías.
2- Representación del sentimiento y de la psicología.
3- Tendencia al naturalismo detallista.
4- Carácter ornamental y propagandístico. Materiales ricos o que simulan serlo.
5- Temática: religiosa y mitológica; retratos.
BERNINI
Apolo y Dafne
Esta obra es la reinterpretación del Barroco sobre la escultura clásica. La etapa helenística influyó en la obra de Bernini, que se sirve de una fábula clásica en la que plasma el momento en el que la ninfa Dafne se convierte en laurel para proteger su virginidad ante el acoso del dios Apolo.
Análisis formal
-Realizada en mármol que, a pesar de su dureza, no supone un obstáculo para la representación del movimiento y las texturas. Es una obra muy dinámica con el movimiento en espiral de sus figuras.
-La expresividad llega al máximo para captar lo instantáneo, para atrapar el instante mágico de la transformación de Dafne, que ya no es una mujer pero tampoco es aún un laurel.
-Acabado pulidísimo de la piel, en contraste con la rugosidad de la corteza del árbol. Efectos de luz sobre los cuerpos, creando claroscuros a través de paños, cabellos y elementos vegetales.
-Los cuerpos desnudos acentúan la sensualidad de la escena que tiene un gran naturalismo en el modelado de los cuerpos.
-Expresión de los sentimientos con la incredulidad de Apolo y el gesto de horror de Dafne. Las piernas y manos muestran la carrera y al mismo tiempo si repentino final.
-Se trata de una escultura que encierra en sí misma algunas de las ideas clave del Barroco. La fugacidad, el instante, el tempus fugit, y, al mismo tiempo, la grandiosidad.
ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA
La escultura barroca española es, salvo algunas excepciones en bronce y piedra, el arte de la talla en madera, destinada a ser policromada, con objeto de crear imaginería, imágenes religiosas que inciten a la devoción. Estas imágenes están pensadas para el paso procesional y el retablo. El paso está ligado a la simulación de una realidad en la que el espectador participa intensamente. Las esculturas están pensadas para ser vistas por las calles, en el marco del ritual de la Pasión de Cristo, seguidas de los cofrades como una forma de penitencia.
La época barroca es la época de la contrarreforma. Es necesario afirmar y fortalecer una serie de dogmas puestos en cuestión por los protestantes. Es una época de religiosidad exaltada, de manifestaciones populares y de ceremonias colectivas.
En cuanto al retablo es preciso tener en cuenta en su realización el programa iconográfico, que suele ser establecido por los comitentes. Intervienen diversos artífices: el que diseña el espacio con formas arquitectónicas, el tallista que las realiza, el escultor, el ensamblador, el dorador y el pintor.
En los retablos barrocos las escenas son complejas, los rostros expresivos y los gestos intensos y dinámicos. Todo ello es producto de un sentimiento por lo dramático que nace de una búsqueda personal, que se forma en la idea del sufrimiento místico. El ser cristiano supone dolor y sufrimiento.
GREGORIO FERNÁNDEZ: El foco vallisoletano.
Valladolid es un centro importantísimo de producción de esculturas. El escultor más significativo es Gregorio Fernández. De su taller salieron numerosos retablos, imágenes de devoción y pasos. Su estilo es muy realista, según la tradición de la escuela flamenca que tanto había arraigado en Castilla, como se pone de relieve en los pliegues angulosos de sus vestidos, la corporeidad de sus figuras y la hondura expresiva sobriamente contenida.
Fernández configuró tipo iconográficos como el Cristo yaciente, la Piedad, el Cristo de la columna o el Ecce Homo.

MARTÍNEZ MONTAÑÉS: El foco sevillano.
Sevilla es durante el S. XVII una próspera ciudad gracias, en parte, a su relación con el Nuevo Mundo. Destaca Juan Martínez Montañés. Su obra Cristo de la clemencia se basa en una adaptación perfecta del realismo a un modelo clásico, con objeto de generar una relación personal para hacer creer al fiel que se halla ante una realidad viva. También destacan las imágenes femeninas, de una belleza clásica serena que provoca en el espectador una gran devoción.

SALZILLO: Barroco en el S. XVIII
De la misma manera que, en arquitectura, la llegada de los Borbones trae consigo una influencia francesa, también en escultura se produce el mismo fenómeno. Sin embargo, a final de siglo, emerge un escultor singular, heredero de toda la tradición de laimaginería hispana. Se trata de Salzillo, el cual combina la tradición realista y expresiva con una aristocrática elegancia idealizada.

ARQUITECTURA Y URBANISMO

2.ARQUITECTURA Y URBANISMO
La ciudad barroca se urbaniza al servicio del poder político y religioso. En el laberinto urbano se abran plazas y avenidas con un gran sentido escenográfico, donde el pueblo puede palpar la superioridad del Rey y de Dios.
El lenguaje clásico, reinterpretado desde la razón en el Renacimiento, será reinterpretado de nuevo en el barroco desde el sentimiento. Los arquitectos barrocos querían que sus edificios llamasen la atención, conmocionaran al espectador.
CARACTERÍSTICAS:
1- El uso de la línea curva tanto en la estructura como en la decoración. Las fachadas tienen movimiento.
2- La utilización de efectos luminosos por medios de entrantes y salientes que crean zonas de luz y zonas de sombra.
3- La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores. Las esculturas y las pinturas se fusionaron en la arquitectura (arte total).
4- El uso de materiales ricos para producir una sensación de ostentación. (Se utiliza mucho la madera policromada, el mármol veteado y el bronce).
5- En las fachadas los frontones son truncados y decorados profusamente.
ROMA
Roma fue la ciudad donde surgió el Barroco. Los papas reformaron completamente la ciudad para reforzar su papel como capital del catolicismo. La remodelación de la ciudad consistió en la construcción de grandes edificios en el nuevo estilo y de numerosas plazas y avenidas.
Las siete grandes basílicas recorridas por los peregrinos fueron unidas por avenidas, y ante ellas se adecentaron plazas con obeliscos. Las plazas abiertas tienen un papel retórico a modo de gran escenario, con la fachada de la iglesia como telón.
Todas las plazas barrocas siguen el mismo esquema. Destaca la plaza de San Pedro o la plaza Navona donde Bernini desarrolló su originalidad creativa.
BERNINI
San Pedro (Conclusión del conjunto)
Carlo Maderno añadió un enorme cuerpo basilical al proyecto de Miguel Ángel y una fachada que no le hace justicia al conjunto. Parece un cuerpo clasicista adosado a la gran obra diseñada por Miguel Ángel. Una fachada con columnas de orden gigante y un frontón que intenta la simetría con la cúpula pero queda diluido en las dimensiones de la fachada.
El aspecto definitivo lo dará Gian Lorenzo Bernini. Bernini había proyectado una pieza fundamental del interior, el baldaquino con columnas salomónicas situado bajo la gran cúpula.
Pero su contribución fundamental al conjunto vaticano es la columnata de San Pedro.
Una elipse que se forma al extender los dos grandes brazos que acogen a los peregrinos, que contemplan el gran escenario de la fachada.
Bernini devuelve al conjunto de San Pedro la grandiosidad que se había perdido con Maderno.

Otros focos barrocos
La arquitectura barroca se extendió pronto por toda Italia y por toda Europa.
-En Francia el Barroco es el más “clásico” por dar preferencias a las líneas rectas y por una decoración menos abundante. Frente a los exteriores “limpios” destacan los excesos decorativos de los interiores. La aportación francesa es el jardín (Versalles).
-En Inglaterra la arquitectura siguió el estilo del arquitecto renacentista Palladio, por lo que es un Barroco más manierista y que se va a mantener hasta el neoclasicismo. La catedral de San Pablo en Londres representa un Barroco de grandes dimensiones, destacando la cúpula que se divisa desde toda la ciudad.
-En España la arquitectura barroca se caracterizó por la decoración exuberante, tanto en el exterior como en el interior de los edificios, sobre todo a partir de las influencias de José de Churriguera. No obstante la arquitectura barroca en España es básicamente religiosa. Sólo la Iglesia tenía la capacidad económica para financiarla. Serán pintura y escultura los artes más desarrollados. Un aspecto típico fue la construcción de las plazas mayores, como la de Madrid y Salamanca.

EL BARROCO. INTRODUCCIÓN

1.INTRODUCCIÓN
Una sociedad cambiante

A lo largo del S. XVII se produce en el sur de Europa una consolidación de las monarquías absolutas. Este poder creciente de la autoridad monárquica hará que el arte actúe como un sistema eficaz de propaganda al servicio del Estado.
Al mismo tiempo, en el norte, el desarrollo del capitalismo crea unas inquietudes sociales distintas. Es el arte burgués para burgueses. En otro sentido la Reforma protestante y la posterior Contrarreforma católica habían dividido a Europa en dos partes, la Europa protestante del norte rechaza las representaciones religiosas excepto las del Antiguo Testamento por su valor pedagógico y moralizante. La Europa católica del sur potencia las manifestaciones externas de piedad a través del arte religioso. Destacar la imaginería española y la representación iconográfica del dogma de la Inmaculada Concepción puesto en cuestión por los protestantes.
El lenguaje del Barroco

La evolución del Renacimiento hacia el manierismo desembocará, a finales del S. XVI, en un lenguaje artístico que responde a la situación de la sociedad europea del momento. El período barroco se caracteriza por una complejidad en las formas, que se hacen más dinámicas, con juegos teatrales de contrastes y sensaciones que rompen con la búsqueda del equilibrio y la armonía. El término barroco se identifica con las ideas de movimiento, decoración y complicación de las formas.
El lenguaje barroco no supone una innovación creadora porque propone una lectura libre de los elementos anteriores, donde predomine la sensación.
El principal objetivo del arte barroco es lo que podemos llamar el arte total. La arquitectura será la disciplina fundamental al que se condicionan todas las demás (escultura, pintura, jardinería) para conseguir un espacio de síntesis.
El arte al servicio del poder

El arte barroco expresa hacia el exterior la imagen del poder monárquico y eclesiástico. Favorece el concepto de arte como propaganda de la autoridad. Las construcciones de la realeza y los espacios públicos pretenden impresionar a los ciudadanos para que acaten los mandatos de la monarquía. La intención de reafirmar las posiciones de ambos poderes se ve también reflejada en las realizaciones artísticas que se ajustan a los principios que se persiguen defender. Un ejemplo de este arte es la Plaza Mayor.

LA PINTURA FLAMENCA. PRIMITIVOS

LA PINTURA FLAMENCA: PRIMITIVOS Y BARROCOS
1.INTRODUCCIÓN

En el Renacimiento Italia comparte su protagonismo histórico con otro foco europeo: los Países Bajos. Protagonismo que continuará en el Barroco. Sin embargo la sociedad flamenca no tiene nada que ver con la sociedad italiana. Si en Italia eran las grandes familias patricias y los papas los mecenas del arte, en los Países Bajos más que de mecenas hemos de hablar de clientes.
Son los ricos comerciantes dedicados a la importación de la lana y a la exportación de tejidos. Burguesía que encarga a los artistas retratos para adornar sus casa y sus comercios.
Los temas religiosos también se encargan pero con una finalidad moralizante, y, en el caso de los protestantes, el Antiguo Testamento.
El arte es una fuente de prestigio pero sobre todo de negocio. Se pacta con los artistas el tema, el tamaño, los colores etc. Se firma un contrato entre artista y cliente y se trabaja en talleres.
Técnicamente la pintura flamenca se caracteriza por:

1- Novedad técnica: El óleo, primero sobre tabla y después sobre lienzo, lo que facilitó el traslado de las obras.
2- Veladuras, transparencias, texturas.
3- Retratos individuales, matrimoniales y colectivos (retratos gremiales).
4- Interiores que reflejan la vida hogareña (ideal burgués).
5- Encuadres fotográficos (caja oscura).
6- Detallismo: se representan con gran realismo pequeños detalles.
7- Trampojos (ilusiones visuales).
8- Los principales representantes son: Van Eyck, Van der Weyden y El Bosco, con la obra más inquietante.
9- La escuela flamenca del Renacimiento abre el camino a los grandes pintores del Barroco: Rubens, Rembrandt y Veermer.

EL GRECO

Es uno de los pintores más conocidos de la escuela española, aunque era originario de Creta. El Greco tuvo importantes clientes y su taller de Toledo fue uno de los más conocidos. Sus clientes fueron la Iglesia, la monarquía y la nobleza.
Los motivos del éxito de su pintura son varios:
1- Su novedad: El Greco trae a España las novedades manieristas que aprendió durante su estancia en Venecia.
2- Su temática es religiosa, pero con una representación nueva.
3- Su misticismo, tan acorde con la religiosidad española.
4- Un artista prolífico del que todavía es posible encontrar obras en el mercado.
5- Sus temas preferidos: los religiosos, porque la Iglesia es uno de sus principales clientes y la época de El Greco es de gran religiosidad en una Europa enfrentada por motivos religiosos. La pintura de El Greco refuerza el espíritu de la contrarreforma.
6- La mayoría de sus cuadros se pueden dividir en dos espacios, el terrenal y el celestial.
7- Es uno de los grandes referentes para todos los artistas, destacando su influencia sobre Picasso (La época azul).
La Trinidad
La obras tiene claras reminiscencias miguelangelescas, especialmente sus anatomías. La composición general recuerdan la Piedad de Santa María dei Fiore y la Rondanini.
1- Hay elementos manieristas como el manejo del color, la posición forzada y desequilibrada de Cristo, con un agitado dinamismo de toda la composición en la que prevalecen las líneas quebradas y en zig-zag.
2- El tratamiento anatómico musculosos con cánones muy alargados, estilizados y filiformes.
3- Los colores son ácidos, mórbidos, que contribuyen al contexto místico con el que El Greco impregna la atmósfera de sus cuadros.
4- El juego de luces crea un contraste de luz y sombra que configuran un efecto dinámico en toda la composición.
5- Se refuerza el dogma de la Trinidad.
6- Deslizamiento de Cristo que recuerda a la Piedad de Florencia.
7-Novedad: Ángel de espaldas con un trabajo anatómico en piernas y pies.

INTRODUCCIÓN, ARQUITECTURA Y PINTURA (M)

1.INTRODUCCIÓN
1- En el último tercio del S. XVI (cinquecento) se empiezan a observar innovaciones y cambios en el lenguaje artístico. Unos cambios que nos anticipan el lenguaje barroco.
2- La actividad artística se traslada de Roma a Venecia. En arquitectura destaca Palladio y en pintura Tiziano, Tintoretto y El Veronés.

2.ARQUITECTURA

PALLADIO

Andrea Palladio no sólo representa a uno de los arquitectos más importantes del S. XVI, sino también a un teórico, gracias especialmente a sus "Cuatro libros de Arquitectura" donde revisa además teorías postuladas por Alberti y Vitrubio.
Su arquitectura se encuadra ya dentro del lenguaje puramente manierista. Un claro ejemplo son sus famosísimas Villas, ejemplo de arquitectura civil en el S. XVI y cuya influencia iba a llegar hasta la arquitectura inglesa del S. XVII y a la arquitectura tradicional de los Estados Unidos. El neoclásico anglosajón se inspira en el lenguaje arquitectónico de Palladio.
La villa Rotonda
Las villas de Palladio, varias en las inmediaciones de Vicenza, expresan su respuesta a la demanda creciente de una vida campestre, renacida ahora con la economía rural. Las grandes familias, dedicadas al comercio, empiezan a invertir en la compra de fincas. Se recupera el espíritu de la domus campestre.
Las villas resultan de una interpretación nueva de la arquitectura clásica. La Villa Rotonda, la más conocida de todas, presenta en el centro una sala circular cubierta por una cúpula que se inscribe en una planta cuadrada en cada uno de cuyos extremos se disponen cuatro amplios pórticos a modo de templo romano. Las columnas de las fachadas son de orden jónico, con remate en frontón y una amplia escalinata de acceso (villa abierta a los cuatro vientos).
Se observa un juego geométrico entre el eje y la planta, y se hace patente una elegancia formal y una sencillez monumental que causan en el espectador un gran impacto visual.
Palladio utiliza el método romano de construcción, es decir, materiales baratos que se ocultan bajo elementos decorativos (ladrillo recubierto de mármol, los tejados cubiertos de teja roja que dan al conjunto una nota de color).
En resumen, un ejercicio formal más preocupado por lo exterior que por lo interior; por la forma que por el contenido.

3.PINTURA
1- Si en el Renacimiento el objetivo era la perspectiva, en la escuela veneciana el objetivo será la luz y el color.
2- El artista manierista es libre, no se siente condicionado por las normas académicas. Si el artista anterior es un artista intelectual, los venecianos son pintores subjetivos, más emocionales.
3- Composiciones abiertas, con múltiples personajes en grandes escenarios (teatralidad).
4- Técnicamente se empieza a arriesgar, con composiciones movidas en diagonal, con claroscuros.
5- El color es la gran conquista de la escuela veneciana. Dos colores están unidos a dos nombres: El verde Veronés y el azul Tiziano.
6- El primer manierista fue Miguel Ángel, que frente a las normas reivindica la libertad de creación.
7- Tiziano, Tintoretto y El Veronés son los principales manieristas, a los que hay que añadir El Greco.
8- El lavatorio (Tintoretto); Concierto Campestre (Giorgone); Las bodas de Caná (El Veronés).
9- Escenografía, teatralidad, juegos de perspectivas, animales como protagonistas de la obra, sensualidad, manejo de la luz y del color con gran maestría.
10- En el caso de los retratos hay penetración psicológica y detallismo (suelos, cortinas, trajes etc.)

Pintura. Final

Miguel Angel.El Juicio Final

El Juicio Final

El juicio final muestra una explosión de carnalidad, provocación y ruptura, con una nueva imagen de Dios (poderosa anatomía, canon helenístico, rabia, furia, violencia, terribilitá. Un Dios justiciero).
Los numerosos personajes se agrupan a derecha e izquierda, los bienaventurados y los desaventurados. El espectador necesita un tiempo y se fija en la barca que hace referencia a la mitología, en el pellejo que cuelga de las manos de uno de los personajes, y así en innumerables detalles que avanzan el lenguaje barroco.

Miguel Angel. La Creación de Adán

La imagen de la creación de Adán es una de las más simbólicas del arte occidental. Dios, con semblante severo y barba gris que reflejan su poder absoluto, y rodeado de ángeles, cruza los cielos. Adán, perfecto de rostro y miembros pero aún exánime, parece recibir de Dios una descarga que recorre su cuerpo y le insufla vida física y espiritual. Su mirada expresa diversas emociones, entre ellas asombro y obediencia.
Terminada la decoración de la bóveda Miguel Ángel completó su obra con el frontal del altar.

Miguel Angel

También Miguel Ángel demostró ser un pintor excepcional. Julio II le encarga las bóvedas de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel comienza una ardua labor en soledad que le llevará cuatro años. Más tarde, en 1536 se le encargará la decoración del muro frontal de esta misma capilla, en el que plasmará su famoso Juicio Final.

Bóvedas de la Capilla Sixtina

Esta capilla ya constaba con una decoración en sus paredes laterales, en las que se narraban dos ciclos religiosos: La Historia desde Moisés hasta Cristo (Sub lege) y la Historia a partir de Cristo (Sub Gratia). Entiende Miguel Ángel que le faltaba para completar el ciclo narrativo la historia desde la Creación a la vida de Moisés (Ante legem). Ése es por tanto el tema que va a desarrollar en cada uno de los tramos de las bóvedas y en los lunetos de la Capilla Sixtina.
La dificultad era pintar al fresco unas bóvedas tan elevadas, que le obligó a pintar tumbado sobre un andamio.
Plásticamente encontramos figuras enormes, poderosas, vigorosas, trabajadas con formas escultóricas, reflejo exacto de la terribilitá. Sus posturas son forzadas, retorcidas, desequilibradas, que adelantan el lenguaje barroco. Es una tensión propia del manierismo que se concentra en los centímetros que separan los dedos del Creador y de Adán en el instante previo de insuflar la vida al cuerpo exangüe de Adán.
También el color es manierista. Si el clasicismo pleno pintaba con colores suaves, el Manierismo pretende lo contrario: colores fuertes y chillones que agudicen la sensación de escándalo y zozobra, con contraste entre colores fríos y cálidos.
La luz también presenta bruscos y violentos contrastes que da como resultado composiciones movidas y agitadas.
La bóveda se divide en casetones, destacando el rectángulo central donde se desarrolla el tema de la creación de Adán.
Miguel ángel exigió libertad absoluta y que nadie controlara su trabajo, lo que exasperaba al papa Julio II. La apertura de la sala fue un gran acontecimiento y motivo de escándalo. La obra de Miguel Ángel era el triunfo de la carne, la materia, la fuerza, la vitalidad. Se le sugirió que tapara algunos cuerpos, a lo que el pintor se negó. Tarea que realizó Volterra, que ha pasado a la historia con el apodo de “Il Braguetone”. La obra se completa con el muro frontal, donde se desarrolla el tema del juicio final.

Rafael. 2ª etapa.

2ª ETAPA
Si las madonas representan el equilibrio de la etapa clasicista, La Escuela de Atenas representa la fuerza de su etapa manierista.
La Escuela de Atenas
Pintura al fresco para una de las estancias del Vaticano, un lugar de trabajo de los funcionarios vaticanos, gente culta capaz de entender el contexto rafaelesco de conciliación entre la fe (La disputa del Sacramento) y la razón (La Escuela de Atenas).
La Escuela de Atenas está cargada de simbolismo:
1- Todas las escuelas filosóficas están representadas, desde Platón a los Pitagóricos; de Aristóteles a los cínicos.
2- Platón, el hombre de las Ideas, en el centro, señala con su dedo al cielo, reflejando la conciliación entre la Idea Suprema y Dios.
3- Varios filósofos adoptan rostros de pintores renacentistas.

Técnicamente:
1- Múltiples personajes.
2- Escenario teatral.
3- Composición arriesgada donde se combinan la línea recta frontal con líneas oblicuas.
4- Composición en movimiento. El grupo abre paso a Platón y a Aristóteles. Uno de loes personajes está subiendo la escalera. El único que no presta atención a lo que sucede a su alrededor es Diógenes.
5- Estudio de los volúmenes prestando atención a la anatomía por ejemplo del cuerpo de Diógenes, o las piernas cruzadas del discípulo pitagórico.
6- Se ensayan escorzos como la pierna izquierda de Diógenes.
7- La escena se enmarca en un gran escenario arquitectónico donde se desarrolla un lenguaje manierista con arcos consecutivos, una gran cúpula central abierta al cielo, bóvedas decoradas con casetones, y, en los muros, hornacinas con personajes mitológicos, destacando a Atenea en su doble versión (guerrera y protectora de las artes y la filosofía).
Entre los personajes destacamos a Platón, con el rostro de Leonardo, señalando al cielo, al mundo de las Ideas; Aristóteles, que carga con su manual de ética señalando el mundo material; Diógenes, sentado en las escaleras del templo; Heráclito, con el rostro de Miguel Ángel, observando el paso del tiempo; Euclides, trazando una circunferencia, con el rostro de Bramante; Tolomeo con la esfera de la Tierra en su mano, y, finalmente, en el grupo de los geógrafos, el propio pintor se retrata.

Rafael. 1ª etapa

La Virgen del Jilguero

En la obra se combinan dos influencias, de un lado la leonardesca y de otro la miguelangelesca.
-El esquema compositivo recuerda a las Vírgenes de Leonardo, con una disposición triangular y líneas verticales y horizontales marcadas por los arbolillos y la propia línea del terreno (perspectiva).
-La luz es difuminada y cenital.
-El modelado en las figuras deriva del estudio de la obra de Miguel Ángel, de lo que es buena prueba el trabajo sobre la rodilla de la Virgen, voluminosa hasta tal punto que rompe el plano (escorzo).
-La obra conserva en encanto poético del primer Rafael, con un tratamiento del color con alternancia de rojos y azules y una complicidad psicológica entre los personajes con el cruce de miradas.